Mike, nato in una benestante famiglia ebrea, da bambino era un pò goffo e timido e cominciò ad avvicinarsi alla musica ascoltando di notte le radio del  Sud che trasmettevano Rockabilly, Rhythms & Blues,  e Blues. Ricevette la sua prima chitarra come dono per il “bar mitzvah” (la festa ebraica che sancisce il passaggio all’età adulta che per i ragazzi è a 13 anni ed un giorno), e cominciò a divertirsi con i suoi amici. Gli capitò spesso di saltare sul palco ed unirsi agli altri musicisti, ravvivando un pò lo spettacolo. I genitori, preoccupati per questo comportamento lo iscrissero ad una scuola privata per ragazzi in difficoltà a Chicago, ma Mike si diplomò ugualmente nonostante avesse nel fattempo abbracciato la sottocultura beatnik.

Nel 1963-64, con un sestetto in cui spiccano Charlie Musselwhite e Norman Mayell (poi con i Sopwith Camel) incide un nastro demo, prodotto niente meno che dal leggendario John Hammond. Entra a far parte della Butterfield Blues Band. Il primo album, caratterizzato da un un Rock tinteggiato con note del caretteristico Blues elettrico urbano di Chicago, fa scalpore nella comunità Blues, avvicinando ancor più i bianchi alla musica Blues.

Nel 1965 Mike viene chiamato da Bob Dylan nella band di supporto per la registrazione di Highway 61 revisited e sicuramente lo influenzò nella famosa svolta all’elettrico del Newport Folk Festival del 1965.

L’impegno di Mike è gratificante, ma diventa sempre più gravoso; alla fine del 1966,  sofferente oltretutto di una grave forma cronica di insonnia, decide di interrompere la collaborazione con la Butterfield Blues Band, trasferendosi in California e fondando una sua Band, la Electric Flag.

Dopo meno di un anno, con dischi, concerti e grande rilievo sulla stampa, Mike Bloomfield è di nuovo vicino all’esaurimento e costretto a scegliere una vita più tranquilla a San Francisco, dove insegna chitarra (e tra i suoi allievi c’è anche un certo Carlos Santana).

Mike continua a preferire le collaborazioni: suona con Nick Gravenites, Janis Joplin e ottiene brillanti risultati con i Live insieme a Muddy Waters, Paul Butterfield, Taj Mahal e altri. Passa qualche anno tra vicissitudini varie fino al 1977/78 quando in uno dei suoi migliori momenti incide Analine, prevalentemente acustico, Count talent, con inediti accenti gospel e Michael Bloomfield, altro pregevole disco acustico.

Living in the fast lane, nel 1980, è il suo ultimo disco. Tormentato dall’artrite e dall’insonnia cronica, sempre più dedito ad alchol e droghe, il 15 febbraio 1981 viene trovato senza vita al volante della sua auto, ufficialmente deceduto per un’overdose forse accidentale.

Le ultime incisioni Takoma vengono pubblicate su Cruisin’ for a bruisin’ mentre l’ultima session in assoluto è per la colonna sonora di The usual suspects. La grande quantità di materiale inedito pubblicata negli anni successivi terrà alto il ricordo di uno dei più grandi chitarristi del blues bianco americano.

Ho conosciuto Michael Bloomfield tra il 1970 e il 1971, quando comperai con un pò di ritardo il primo LP della Butterfly Blues Band. Rimasi catturato da quel genere di rock misto blues, ma non lo seguii con estrema attenzione, il mio cuore allora era affranto dalla fine dei Beatles, la morte di Hendrix e Janis Joplin, la scoperta di Santana e di tutto ciò che arrivò dopo Woodstock. Tra gli alti e bassi di Mike rimasi letteralmente “fuso” dalle sessions con Al Kooper, ma lo scoprii con calma e passione solo molto tempo dopo la sua morte, quando avevo tutto il tempo per riascoltare vecchie cose e capire meglio. E’ stato veramente uno dei più grandi chitarristi blues di pelle bianca.

Discografia essenziale:

Supersession (Columbia, 1968)
The live adventures of Bloomfield & Kooper (Columbia, 1969 2 LP)
It’s no killing me (Columbia, 1970)
Triumvirate (Columbia, 1973)
KGB (MCA, 1976)
If you love these Blues, play ‘em as you please (Guitar Player, 1976)
Analine (Takoma, 1977)
Count talent & the Originals (Clouds, 1978)
Michael Bloomfield (Takoma, 1978)
Between the hard place & the ground (Takoma, 1979)
Bloomfield & Harris (Kicking Mule, 1979)
Living in the fast lane (Waterhouse, 1980)
Cruin’ for a bruisin’ (Takoma, 1981)

Don’t say that I ain’t you man – Essential Blues 1964/1969 (Columbia Legacy, 1994)

Mike Bloomfield Official Site

Jim a 17 anni entra negli Spires (guidati da Tommy West). Il gruppo, che è un classico chorus group ispirato al modello dei New Christ Minstrels e che nel 1963 realizza un Lp.

Nel 1965 Jim viene scelto dalla National Student Association per partecipare ad una tournée in Medio Oriente e in Africa, e l’anno dopo sposa Ingrid Jacobsen, cantante e chitarrista.

Tommy West, che lavora per la ABC, invita Jim e Ingrid a New York e li fa suonare nei più noti locali della città,  dove Jim diventa una piccola rarità, cantando tranquille ballate blues che arrivano più al cuore che al cervello. Nel 1969, dopo aver catturato l’attenzione di Nick Venet, arrivano alla Capitol e produco il loro primo LP in coppia: Approaching day.

L’album risulta un poco approssimativo e, deluso dall’insuccesso, Jim ritorna a Filadelfia e riesce a scrivere molte canzoni d’ispirazione country. Accompagnando l’ottimo chitarrista Maury Muehleisen nella compilazione dell’album Gigerbread (Capitol 1970), riesce a migliorare e perfeziona quella sua particolare vena compositiva che lo farà poi diventare celebre. Con Muehleisen alla chitarra e prodotto da Tommy West, viene realizzato nel 1972 l’album “You don’t mess around with Jim“, caratterizzato da una delicata e malinconica vena folk, con semplici arrangiamenti arricchiti da tocchi orchestrali e con la nitida voce di Jim in primo piano.

Le vendite finalmente arrivano, grazie anche al buon lancio di supporto di due singoli, uno dei quali “You don’t mess around with Jim” riesce a raggiungere il numero 8 in classifica USA. Confortato dal successo, Jim si butta a capofitto nel lavoro e l’anno dopo esce il nuovo LP “Life and time” che vende ancora di più, scalando la classifica fino al 7° posto. Il singolo proposto, con la spiritosa “Bad bad Leroy Brown” arriva addirittura al numero 1.

Era il 1973 e nel Tour organizzato per lui le sale da concerto erano sempre esaurite; Jim finalmente poteva godersi un pò del meritato successo, ma il 20 settembre, l’aereo che trasportava Jim Croce e Maury Muehleisen si schianta vicino alla città di Natchitoches, in Louisiana.

Pochi giorni dopo esce l’album “I got a name”, subito numero 2 in classifica USA e disco d’oro, mentre la canzone omonima e Time in a bottle (tema del film TV She lives) arrivano entrame al numero 1 in classifica singoli USA.

Jim Croce diviene subito un piccolo “cult” della musica folk, e le sue canzoni vengo riproposte con una certa regolarità nelle varie antologie proposte dalle case discografiche.

Jim Croce era un cantante di talento e un ottimo scrittore di testi; suonava il pianoforte, la chitarra e l’armonica. Qualcuno dice che quando è morto doveva ancora scrivere le sue opere migliori, qualcuno dice che, come spesso accade, è stata la sua morte a dare popolarità alle sue canzoni. Io penso che Jim abbia scritto alcune pregievoli melodie e stava ancora maturando, quando la morte repentina gli impedì, forse, di diventare ciò che Simon e Garfunkel erano stati per la generazione precedente.

Discografia essenziale:

Approaching day (1969, Capitol)
You don’t mess around with Jim (1972, ABC)
Life and time (1973, ABC)
I got a name (1973, ABC)

Jim Croce Official Website

Ci sono state innumerevoli e tragiche morti in tutta la storia del Rock’n'Roll, ma raramente un gruppo ha dovuto subire colpi così duri e drammatici come quelli accaduti alla Allman Brother Band agli inizi degli anni’70. In poco più di un anno, Duane Allman prima, e Berry Oakley dopo, morirono in circostanze stranemente simili.

Berry era in motocicletta con Kim Payne, un membro dello staff, quando affrontando una curva un pò troppo velocemente, perse il controllo della sua Triumph andando a schiantarsi contro un bus cittadino di Macon. Berry rifiutò qualsiasi trattamento sanitario dicendo che stava bene, ma quella sera stessa morì in ospedale per l’emorragia causata da una brutta frattura al cranio. Aveva solo 24 anni.

Berry era riflessivo, idealista ed equilibrato. Fu lui a trovar casa alla band quando decisero di trafserirsi a Macon, per poter vivere, e provare la musica insieme. Berry volle fortemente che si cenasse insieme almeno una volta alla settimana in modo tale che ogni componente si sentisse come membro importante di questa famiglia allargata. Quando la Band era in Tour, non era difficile vedere mogli e fidanzate ritratte sul giornale di Macon, coinvolte in qualche buona causa locale.

Con delibere condivise da tutti, il consiglio comunale di Macon ha deciso che un tratto della Highway 19 si chiamasse “Duane Allman Boulevard” ed un ponte “Raymond Berry Oakley III”, in onore e ricordo dei soci fondatori della Allman BrothersBand.

Difficile sapere cosa provarono in quel periodo sia i componenti dalla Band che quelli dello staff. Certo è che seppero reagire e che oggi sono ancora in giro a suanare.

Senza, però, Duane e Berry.

La vita di John è sempre stata legata al “ritmo”. Il ritmo del suo cuore che cessò di battere dopo un giorno di vita a causa di un medico ubriaco, il ritmo di quella sua batteria che ha cominciato a suanare all’età di 5 anni costruendosi un kit di barattoli e lattine di caffè, imitando le mosse dei suoi idoli Gene Krupa e Buddy Rich, il ritmo forsennato con cui tracannava bicchieri di vodka perchè non gli piaceva volare e stare lontano dalla famiglia.

Nel 1964 abbandonò la scuola e formò la sua prima Band: Terry Web and the Spider. Incontrò ad un ballo la sua futura sposa Pat Phillips ed incise un 45 giri che ebbe un discreto successo.

Un paio d’anni dopo ebbe la possibilità di suonare con Robert Plant, già abbastanza noto allora, ed in quel periodo si fece la fama di “batterista più forte d’Inghilterra. Suonava con tale vigore che spesso distruggeva le batterie e capitò più di una volta che alcuni Club lo pregarono di smettere.

Quando Jimmy Page decise di formare una Band chiamò Terry Reid, che rifiutò ma consigliò Robert Plant, che accettò portandosi appresso l’amico “Bonzo”. Così, con John Paul Baldwin “Jones” iniziò l’avventura dei “Led Zeppellin“.

Durante la permanenza in America per il loro primo Tour, John divenne amico di Carmine Appice, mitico batterista dei Vanilla Fudge. Carmine lo introdusse nel mondo delle batterie Ludwig, e per Bonzo fu amore a prima vista.

Usava dei bastoni talmente lunghi e pesanti che li chiamava “alberi”. Il suo stile, colpire così violentemente la batteria, ha trovato massima espressione nelle canzoni “Immigrant song“, “When tle leeve breaks“, “The ocean“. Più tardi, invece, sviluppò uno stile più vicino al funk e al latin.

Pur non essendo approssimativo e sgangherato come Keith Moon, nè considerato dalla critica al pari di Ginger Baker, il suo assoluto potere dietro la batteria ha influenzato negli anni moltissimi batteristi hard-rock ed heavy-metal.

Da antologia i suoi assoli di batteria, prima in “Pat’s delight” e poi in “Moby Dick“, che spesso duravano mezz’ora, mettendo in evidenza l’uso delle mani nude per ottenere effetti sonori diversi.

Nel 1980 i Led Zeppelin decisero di fare un nuovo tour in America ed appena giunti iniziarono le prove. John bevve come una spugna prima di arrivare allo studio e quasi sicuramente nella notte, dopo la session. Fu trovato morto da John Paul Jones e dal manager. Due settimane dopo l’autopsia del coroner rivelò che John morì per un edema polmonare e non furono riscontrate altre sostanze se non l’alcool.

John fu cremato e spolto a Rushock, nella Chiesa Parrocchiale, e sulla sua lapide si legge:

“Alla cara memoria di un marito e di un padre amorevole. John Henry Bonham, morto il 25 settembre 1980, a 32 anni. Il suo ricordo vivrà sempre nei nostri cuori. Buonanotte amore mio. Dio ti benedica”.

Quando un amico, all’uscita del negozio di dischi, mi chiese: “Hai comperato l’ellepi dei Led Zeppelin? E’ favoloso!”, risposi: “No, quando ho visto la copertina ho pensato che fossero un pò pazzi…” Rientrai, lo comperai, e da allora ho acquistato un’ecatombe di dischi e souvenir in tutto il mondo. Sono io, il pazzo! Quante ore della mia vita ho trascorso ascoltando “Immigrant song”, “Moby Dick”, “Whole lotta love”, “Dazed and Confused”? Pagherei per poter avere “Bonzo” suonare alla mia veglia funebre!

Discografia essenziale:

Led Zeppelin (Atlantic, 1969)
Led Zeppelin II (Atlantic, 1969)
Led Zeppelin III (Atlantic, 1970)
Led Zeppelin IV (Atlantic, 1971)
Houses Of The Holy (Atlantic, 1973)
Physical Graffiti (Swan Song, 1975 2 LP)
Presence (Swang Song, 1976)
The song ramain the same (Swan Song, 1976 2 LP)
In trough the outdoor (Swan Song, 1979)
How the west wos won (Led Zepplin)
Led Zeppelin BBC Sessions (Led Zeppelin)

Discografia non-Led Zeppelin:

She’s a Mod (The Senators, 1964, album Brum Beat, compilation)
Hurdy Gurdy man (Donovan, 1968, album The Hurdy Gurdy Man, Epic)
Medley: It’s so hard (P J. Proby, 1969, album Three weeks hero, Liberty)
Thumping beat (Screaming Lord Sutch, 1970, album Lord Sutch and heavy friends, Cotillon)
Rockestra Theme + So glad to see you here (1979, Paul McCartney & Wings, album Back to the egg)
Keep your hands on the wheel (Roy Wood, 1979, album On the road, Warner)

Led Zeppelin Official Website

Gallagher è stato uno dei primi grandi musicisti rock d’Irlanda e la sua vita è stata un mix di successi e tragedie. Nella sua carriera ha venduto oltre 30 milioni di dischi in tutto il mondo, creandosi la fama di chitarrista inventivo e dinamico bluesman.

Affascinato in giovane età dal blues americano  e da musicisti folk sentiti alla radio, e vedendo Elvis Presley in televisione, decise di imparare a suonare la chitarra.

Dopo alcune esperienze con piccole Band locali, tra cui la “Fontana Show Band” e  gli “Impact”, suonando hits popolari nei primi anni ’60, forma nel 1967 il primo nucleo dei Taste; un trio ad imitazione dei Cream, e con cui si fa le ossa tra Amsterdam ed Amburgo.

Al ritorno in Irlanda forma un nuovo trio, poi si trasferisce a Londra con gli altri irlandesi Richard MacCracken e John Wilson, registrando tra il 1967 e il 1968, diversi pezzi che però verranno pubblicati dopo anni su Taste First, In the beginning,  Taste in concert (dal vivo al Marquee).

In questo periodo ci furono anche tour in Europa e America, dove facendo da headliners ai Blind Faith, Rory raffinò molto il suo stile. Nel 1970 si chiuse l’esperienza dei Taste e iniziò il suo prolifico percorso da solista.

Nel corso degli anni ’70 ci ha consegnato una decina di album ricchi di bruciante blues-rock, soul e rythm & blues. In questo periodo effettuò una lunga serie di tour tra Europa ed America, guadagnandosi la fama di musicista maratoneta.

Tutti i fans del blues hanno apprezzato le sue performance nelle registrazioni con Muddy Waters, Albert King e Jerry lee Lewis.

Già alla fine degli anni ’80 la sua salute cominciò a deteriorarsi a causa dell’uso abbondante di alcool, ma Rory Gallagher ha continuato ad essere in tour fino al 1995, quando dovette subire un trapianto di fegato e morendo alcune settimane dopo, in seguito ad una infezione legata al trapianto stesso.

Ha lasciato una grande eredità musicale, influenzando musicisti come The Edge degli U2, Vivian Campbell dei Def Leppard, Brian May dei Queen.

Il suo album migliore è sicuramente il live “The Irish Tour 1974“, performance straordinaria, premiato come il miglio live dell’anno da Melody Maker e da cui venne tratto anche un lungometraggio prodotto dal regista Tony Palmer.

Quel 14 giugno 1995 mi stavo preparando per una breve vacanza quando seppi della morte di Rory Gallagher. Mi scappò una parolaccia, anche se in fondo, ma molto in fondo, immaginavo che un giorno o l’altro sarebbe successo. Era veramente bello veder suonare Rory, spesso con quella vecchia e malconcia Stratocaster del 1961; lui sparava le note direttamente dentro l’amplificatore. E’ vero che il suo nome non è mai entrato nell’Olimpo dei Grandi Chitarristi, ma il suo talento era notevole. Riascolto spesso quel meraviglioso Irish Tour ’74 e penso a cosa avrebbe potuto darci ancora se avesso bevuto un pò di meno….

Discografia essenziale:

Taste (polydor, 1969)
On the boards (Polydor, 1970)
Live Taste (Polydor, 1971)
Live at the Isle of Wight (Polydor, 1971)
Rory Gallagher (Polydor, 1971)
Deuce (Polydor, 1971)
Live in Europe (Polydor, 1972)
Blueprint (Polydor, 1973)
Tattoo (Polydor, 1973)
Irish Tour 1974 (Polydor, 1974 2 LP)
Against the grain (Chrysalis, 1975)
The story so far (Polydor, 1976)
Calling card (Chrysalis, 1976)
Photo-Finish (Chrysalis, 1978)
Top priority (Chrysalis, 1979)
Stage struck (Chrysalis, 1982 live)
Jinx (Chrysalis, 1982)
Defender (capo/Demon, 1987)
Fresh evidence (Capo/Demon, 1990)

The G-Men Bootleg Series (Essential 1992, 3 CD live)
Blue day for the blues (IRS, 1995)

Rory Gallagher – The Official Website

Tributo a Rory Gallagher

Ovviamente Jim condusse un’infanzia solitaria, costretto a cambiare spesso abitazione ed amici.

Frequentando l’università si interessò molto alla poesia contemporanea (era attrato moltissimo dalla cultura beat e amava i romanzi di Jack Kerouac), ma all’inizio del 1964 si trasferì a Los Angeles per studiare Arte e Cinematografia. Desiderava intraprendere la carriera di regista, ma dopo critiche brucianti al suo primo cortometraggio, cambiò idea.

Jim era sicuramente una figura complessa, anche se affascinante e trasgressiva, fragile e carismatica, dotato di fervida vena poetica ed una innegabile potente carica sessuale.

Fu autore di alcuni libri di poesia (l’ultimo pubblicato postumo) e diresse alcuni documentari o cortometraggi.

Nel 1964, insieme a Ray Manzarek, dieve vita ai “Doors“.

Jim Morrison, anche se fu molto apprezzato per la sua voce baritonale, molti fans, giornalisti e scrittori hanno spesso dibattuto della sua potente e magica “presenza” sul palco, del suo lirismo poetico e della sua autodistruzione.

Gli esperti lo hanno collocato al numero 47 di una speciale classifica dei “100 più grandi cantanti di ogni tempo“.

Nella primavera del 1971 decise di prendersi una pausa e si trasferì con la moglie Pamela Coulson a Parigi. Voleva dedicarsi quasi esclusivamente alla poesia. Ma fu proprio lì a Parigi, in un piccolo appartamento in Rue de Beautrevillis, che fu trovato morto nella vasca da bagno, la notte del 3 luglio, aveva 27 anni.

Non fu mai chiarita con esattezza la causa della morte, anche se l’autopsia riferì di un arresto cardiaco (quasi sicuramente, del resto, causato dal consumo di droghe). Qualche sospetto lo alimentò anche la fretta con cui si svolsero le esequie e la sepoltura, come da suo desiderio, nel cimitero parigino degli artisti al Père Lachaise.

Anche se ne avevo sentire parlare parecchio e vedevo le copertine e dei dischi nei negozi, solo verso la fine del 1970 e l’inizio del 1971 cominciai ad ascoltare le canzoni dei Doors e ne rimasi estremamente colpito. Era un periodo doloroso quello; alcuni Grandi ci avevano già lasciato ed io mi buttai su Jim Morrison per riempire almeno un buco. Poco dopo, però, mi resi conto che anche Jim non sarebbe durato a lungo. Probabilmente non fu mai completamente compreso; Jim rappresentava la somma di molte contraddizioni. Jimi Hendrix era morto a settembre del 70 e Janis Joplin un mese dopo, e solo quando qualcuno gli disse: “stai bevendo come il Numero 3!” nella sua mente cominciò a formarsi l’idea che forse era meglio cominciare a rallentare. Ma, ormai. era troppo tardi.

Doors:

James Douglas “Jim” Morrison (voce)
Ray Manzarek (tastiere)
Robbie Krieger (chitarra)
John Desmore (batteria)

Discografia essenziale:

The Doors (Elektra, 1967)
Strange Days (Elektra, 1967)
Waiting for the sun (Elektra, 1968)
The soft parade (Elektra, 1969)
Morrison Hotel (Elektra, 1970)
Absolutely live ((Elektra, 1970, 2 LP)
L.A. Woman (Elektra, 1971)
Other voices (Elektra, 1971)
An american prayer ((Elektra, 1978 – CD)

E’  stato un chitarrista di talento, esprimendosi con grande dimestichezza sia nella musica blues, come nel rock’n'roll, nel pop, ed anche nel jazz tradizionale.

Cieco fin dall’infanzia a causa di una rara forma di tumore all’occhio, si è interessato alla musica fin da bambino, cominciando a suanare la chitarra all’età di tre anni. Jeff si abituò a suonare la chitarra tenendola orizzantalmente in grembo e sviluppando uno stile unico curvando le corde e martellando.

Jeff aveva 17 anni quando formò “Blues Direction“, la sua prima Band, un quartetto che suonava quasi esclusivamente cover. Due anni dopo formò la “Jeff Healey Band” con il bassista Joe Rockman ed il batterista Tom Stephen.

Nel 1988, dopo aver stipulato un importante contratto con la Arista, grazie al grande successo del singolo “Angel eyes” classificatosi al 5° posto della Billboard Hot 100, l’album “See the light” vendette oltre un milione di copie in America e più di due milioni in tutto il mondo, consacrando Jeff Healey come un nuovo giovane talento del rock-blues.

Durante la registrazione dell’album di debutto, la “Jeff Healey Band” apparve nel film “Road House” interpretato dal compianto Patrick Swayze, e contribuendo notevolmente al successo della colonna sonora.

Il cancro che aveva dato la caccia a Jeff per tutta la vita, si riprensentò nel 2007, costringendolo ad un delicato e difficile intervento chirurgico ai polmoni. Ma prima della sua morte Jeff era riuscito a finire “Mess of Blues”, il suo primo album blues dopo otto anni, ed uscito postumo.

“Mess of Blues“, splendido lavoro, ebbe un enorme successo. Dalla “Blues Foundation” ricevette l’onore di essere il “Rock Blues Album of the Year” e facendo man bassa di premi al “Maple Blues Awards“.  La canzone “From the road” è stata pubblica nel settembre 2009.

Jeff ha dovuto lottare fin da piccolissimo contro una della più devastanti malattie che conosciamo, ma è riuscito ad imparare a suonare la chitarra ed a creare quel suo particolare stile che la ha contraddistinto. Era veramente bravo, apprezzato da molti. Ha suonato con B. B. King, Stevie Ray Vaughn, Eric Clapton, Steve Lukater, Buddy Guy e registrato con George Harrison, Mark Knopfler e con la leggenda del Blues Jimmy Rogers, così come con decine di altri grandi musicisti. Negli ultimi anni, stanco degli estenuanti tour effettuati quando aveva 20-30 anni, decise di non muoversi da casa e vivere la famiglia, con la moglie e i due figli. Appassionato del Blues in ogni sua forma espressiva, ho sempre apprezzato la sua musica.

Discografia essenziale:

See the ligth (Arista Records, 1988)
Hell to pay (Arista Records, 1990)
Feel this (Arista Records, 1992)
Cover to cover (Arista Record, 1995)
Get me some (Forte Records, 1000)
Among friends (Stony Plain, 2002)
Adventures in Jazzland (Stony Plain, 2004)
Live at Montreux 1999 (Eagle Rock, 2005)
It’s tight like that (Stony Plain, 2006)
Mess of Blues (Ruf Records, 2008)
Songs of the Road (Ruf Records, 2009)

Visitate: Jeff Healey Website

Lo stesso giorno della nascita, il padre Norval Marley, un cinquantenne giamaicano bianco di origine inglese, abbandonò Cedalla Booker di 18 anni ed il figlio appena nato, anche se fornì sempre un aiuto economico alla famiglia e di tanto in tanto tornò a trovare il figlio BoB. A causa di tutto ciò Bob fu emarginato e lottò con accanimento per venire a patti con la sua identità razziale. La conversione alla reglione Rasta lo aiutò a ritrovare la verità in un mondo pieno di ingiustizie e razzismo.

La madre si trasferì a Trenchtown in cerca di lavoro e Bob passava molto tempo con il suo amico Neville “Bunny” Livingstone, catturati entrambi dalla musica di Fats Domino e Ray Charles. Insieme decisero di iscriversi ad una scuola di musica del famoso cantante giamaicano Joe Higgs.

Il debutto è datato 1962 con il 45 giri Judge Not, per la Beverley’s di Leslie Kong, boss dell’industria discografica giamaicana. Malgrado il sostegno dell’amico Joe Higgs, il disco passò inosservato. Stessa sorte toccò anche al secondo disco: One cup of coffee.

Bob Marley nel 1963 riunisce una formazione che comprende il fratellastro “Bunny” Livingstone, Winston H. McIntosh (Peter Tosh), Junior Braithwaite, Beverley Kelso e Cherry Smith. Nascono così i Wailers che si pongono come modello i grandi gruppi vocali soul come gli Impressions di Curtis Mayfield.

Il primo 45 giri dei Wailers, Summer down, pubblicato dalla Coxsone di Clement Dodd, nel 1964 vende oltre 80.000 copie e balza in testa alle classifiche giamaicane. Buon successo anche per It hurts to be alone, con voce solista di Junior Baithwaite, e Lonesome feeling, con solista Bunny “Wailer” Livingston.

Nel 1965, con Dodd in cabina di regia, i Wailers incidone oltre 70 brani, collezionando una ventina di piazzamenti in classifica. La loro musica copre un ampio spettro di stili, variando dal soul ad doo woop, dallo ska allo rocksteady (una sua mutazione in battuta bassa).

Tra il 1965 e il 1966, però, i rapporti del sestetto con Dodd comiciano a deteriorarsi, finendo con la partenza definitiva di Baithwaite, Kelso e Smith. Nel febbraio del 1966 Bob sposa Rita Anderson, futura I-Threes. Dopo la riforma del gruppo comiciò ad accresciere la sua fama di musicista profetico che predica la pace e una più alta conoscenza.

I primi anni di Bob Marley verranno successivamente ben documentati in The birth of legend (Calla, 1977).

A soli 32 anni gli fu diagnosticato un cancro alla pelle, ma riufiutò l’amputazione di un piede sulla base delle proprie convizioni religiose. In soli quattro anni il cancro lo consumò, diffondendosi nel fegato, nello stomaco, nei polmoni e nel cervello, portandolo alla morte a soli 36 anni.

Bob Marley è uno dei maggiori artisti provenienti dai Caraibi, divenendo una leggenda nella musica Raggae e nella fede Rstafari. Molti i premi e gli onori assegnatigli: dall’ONU nel 1978 la Medaglia della pace per il Terzo Mondo, una medaglia al Merito della Giamaica nel 1981, il 6 febbraio (data della sua nascita) è stata consacrata nel 1990 Festa Nazionale, ammesso nella Rock’n'Roll Hall of Fame nel 1994, la BBC ha scelto nel 2001  One Love come canzone del millennio, e tante altre ancora.

Bob Marley sarà ricordato e onorato per sempre. La sua musica brillante ed evocativa rimane universale e senza tempo. Definito “Poeta Rasta”, artista rivoluzionario, visionario, è sicuramente stato uno degli artisti più carismatici dei nostro tempo.

Discografia essenziale “The Wailers”:

The Wailing Wailers (Studio One,1965)
The best of The Wailers (Beverley’s, 1969)
Soul Rebels (Trjan, 1971)
Soul Revolution (Trojan, 1971 2 LP)
Soul Revolution Part II (1971)
Catch a Fire (Island, 1973)
African Herbsman (1973)
Burnin’ (1973)
Rasta Revolution (1974)

Discografia essenziale “Bob Marley and The Wailers”:

Natty Dread (Island, 1975)
Live! (Island, 1975)
Rastaman Vibration (Island, 1976)
Exodus (Island, 1977)
Kaya (Island, 1978)
Babylon By Bus (Island, 1978 2  LP)
Survival (Tuff Gong/Island, 1979)
Uprising (Tuff Gong/Island, 1980)
Confrontation (1983)
Talkin’ Blues (recorded in 1973, released 1991)
Live at the Roxy (recorded in 1976, released 2003)

Bob Marley Official Website

Ziggy Marley Official Website

Nel 1957 la famiglia si trasferì a Daytona Beach (Florida), e fu li che Gregg sentendo suonare la chitarra da un vicino di casa, cominciò a strimpellare, ma Duane lo seguì immediatamente, imparando subito ed in breve suonando molto meglio del fratello.

In quegli anni i fretelli si appassionarono alla musica blues, specialmente dopo aver assistito ad un concerto di B. B. King. Duane smise di frequentare la scuola per rimanere a casa ad impratichirsi con la chitarra, mentre Gregg si diplomò alla High Scholl Sea Breeze, nel 1965. Fu allora che i due decisero di fondare la loro prima band la “Allman Joys“.

Quando nel 1967 la band si trasformò in “The Hour Glass” i fratelli si trasferirono a Los Angeles ed in questo periodo Duane perfezionò la sua tecnica della slide-guitar elettrica, con l’intuizione di utilizzare una bottiglietta di vetro vuota di Coricidin intorno al dito come slide.

Duane semplicemente amava suonare la chitarra, e venne chiamato per delle session da molti musicisti, tra i quali Wilson Pickett, Aretha Franklin, Percy Sledge, Herbie Mann e Bozz Scaggs.

Finalmente nel 1969 si formò la Allmand Brothers Band, quando Duane e Gregg chiamarono Dickey Betts, Berry Oakley, Jay Johanson e Butch Trucks. In poco tempo sfornarono il loro primo album “The Allmand Brothers band” ed iniziarono un tour.

Duane era un grande fan di Eric Clapton e rimase molto colpito quando proprio Eric lo chiamò per suonare insieme “Layla“  ed altre canzoni d’amore. Durante le session anche Clapton divenne un grande fan di Duane.

Duane morì il 29 ottobre 1971, poco meno di un mese prima di compiere 25 anni, in un tragico incidente stradale scontrandosi con la sua moto contro un grosso camion. Sbalzato dalla sella, volò in aria e morì poche ore dopo.

Nella formazione originale la “Allman Brothers Band” incise tre album, ma la loro fama fu assicurata per sempre.

Sull’onda lunga di Woodstock comperai il doppio LP “At the Fillmore East” degli Allman Brothers Band e ne fui entusiasta. Ma Duane se ne andò poco dopo,  in quell’incidente così inverosimile, ma invece così reale e comune. Per lui niente alcool o droghe, solo una moto contro un maledetto camion. Era un musicista brillante ma lo perdemmo prima di poterne apprezzare appieno il genio. Abile con qualsiasi tipo di chitarra è stato però maggiormente amato per la particolare tecnica “slide”  e, in controtendenza rispetto agli altri chitarristi di quel periodo, usava una Gibson invece che una Fender, preferendo una 59 Sunburst e una 68 Cherry SG.

La canzone “Free Bird” che il mitico complesso southern-rock Lynyrd Skynyrd ha dedicato alla memoria di Duane comincia con le parole: “Se io me ne vado domani…ti ricorderai ancora di me?” Per Duane Allman la risposta è un clamoroso ed entusiasta SI!!!

Discografia essenziale:

The Allman Brothers Band (Atco, 1969)
Idlewild South (Atco, 1970)
At Fillmore East (Capricorn, 1971 2 LP)
Est a Peach (Capricorn, 1972 2 LP)
Beginnings (1973)
Brothers and Sisters (Capricorn, 1973)
Win Lose or Draw (Capricorn, 1975)
The Road goes on forever (1975)
Wipe the Windows, Check the Oil, Dollar Gas (Capricorn, 1976 2 LP live)
Enlightened Rogues (Capricorn, 1979)
Reach for the Sky (Arista, 1980)
Brothers of the Road (Arista, 1981)
Seven Tuns (Epic, 1989)
Shades of two words (Epic, 1991)
The Fillmore Concert (1992)
An evening with The Allman (BMGBrothers Band (Epic, 1992 live)
Allman Brothers Band (IRSA, 1994)
Where it all begins (Epic, 1994)
An evening with The Allman Brothers Band, 2nd set (Epic, 1995)
Micology, an anthology (Epic, 1998)
Peakin’ at the beacon ((Epic, 2000 live)
Still Rockin’ (BMG 2000)
Hittin’ the note (2003)

The Allman Brothers Band – Official Website